Reviews

Schumann: Adventlied, Op. 71; Ballade vom Pagen und der Königstochter, Op. 140
Bach: Herr, gehe nicht ins Gericht, BWV 105 (version Schumann, 1849)

Carolyn Sampson, Benno Schachtner, Werner Güra, Jonathan Sells, Cornelius Uhle
Estonian Philharmonic Chamber Choir
Helsinki Baroque Orchestra
dir. Aapo Häkkinen
Ondine, 2018

Deux œuvres rares encadrant une cantate de Bach, révisée par Schumann, voilà qui constitue un programme original et alléchant.
La musique de Schumann – « une immense Sehnsucht [aspiration, nostalgie] inassouvie » (Victor Basch) – est servie par d’excellents interprètes, pleinement engagés, conduits par Aapo Häkkinen. Ce dernier donne aux chœurs et à l’orchestre une qualité expressive où la force n’est jamais pesante, avec des couleurs et une lumière qui font trop souvent défaut à Schumann. On connaît l’excellence des formations chorales des pays baltes, le Chœur philharmonique de chambre d’Estonie ne déroge pas. Carolyn Sampson, familière du baroque, montre ici combien le répertoire romantique lui sied. Le contre-ténor Benno Schachter, comme les autres solistes, s’y montre sous son meilleur jour.
Yvan Beuvard, Forum Opéra, 3.9.2018

Effektvolle, lohnende und alles andere als kleinformatige Musik: Hier kann man Robert Schumann über die Schulter schauen und sieht ihn im Zwiegespräch mit Bach. Eine unübliche, aber attraktive Platte.
Aus dieser spannungsreichen Konstellation hat der Finne Aapo Häkkinen ein wunderbares Programm destilliert: Von Schumann sind dessen ‘Ballade vom Pagen und der Königstochter’ op. 140 und das siebensätzige ‘Adventlied’ op. 71 zu hören. Aus der zeitlichen Ferne grüßt Bachs Kantate BWV 105 ‘Herr, gehe nicht ins Gericht’, doch nicht in der originalen Version, sondern in einer von Schumann selbst erstellten Aufführungsversion für Dresden 1849.
Die ausführenden Ensembles versprechen Spannung: Der Estnische Philharmonische Kammerchor als formidabler Repräsentant romantischer Größe und moderner Chorkultur, dazu das im Bach-Idiom versierte Helsinki Baroque Orchestra, mit dem Häkkinen schon wunderbare Platten mit den Bachschen Cembalo-Konzerten herausgebracht hat – hier freilich auf Instrumenten des mittleren 19. Jahrhunderts.
Die Solisten sind herausragende Sprecher, die Schumanns dramatisch grundierte Werke mit angenehm lyrischer Expansionsfähigkeit verlebendigen. Bei Bach sind die Rezitative zwar alles andere als karg, werden aber von den versierten Bach-Vokalisten geprägt, weniger von Schumanns Anverwandlungskünsten. Arios unterstreichen sie, dass sie zwar vielfach gerühmte Bach-Vokalisten, aber keine eindimensionalen Puristen sind: Bach wird hier wie im Chor schon mehr auf Linie gesungen, als es in der historisch informierten Praxis üblich ist. Aapo Häkkinen moduliert die insgesamt reiche Substanz von Ensembles und Solisten mit feinem Zugriff und spielt das Potenzial der Ausführenden mit nobler Geste aus. Das Klangbild ist angemessen groß, dennoch reich an Details und führt alle Elemente gelungen zusammen.
Matthias Lange, klassik.com, 2.8.2018

Das Helsinki Baroque Orchestra unter Leitung von Aapo Häkkinen spielt Bach mit dem Instrumentarium der Schumann-Zeit. Aber nicht nur das: der Dirigent orientiert sich nicht an der barocken, am Affekt ausgerichteten Phrasierung, sondern gruppiert Bachs Musik nach melodischen Gesichtspunkten in neue Einheiten. Dem entsprechend wirkt sie deutlich kleingliedriger, als man es normalerweise von Barockensembles gewohnt ist. Und diesen interpretatorischen Ansatz überträgt Häkkinen nun auch auf die originale Musik Schumanns – und überrascht noch einmal mit einer für Schumann eher untypischen Stimmfarbe.
So ähnlich wie das Adventlied beginnt auch die Ballade vom Pagen und der Königstochter mit einer Jagdszene. In der Rolle des Erzählers gliedert Countertenor Benno Schachtner seinen Part klar nach rhetorischen Aspekten und deklamiert entsprechend zurückhaltend und mit fein kontrolliertem Timbre. Dirigent Aapo Häkkinen legt nicht nur sehr großen Wert auf gute Textverständlichkeit seiner Sängerinnen und Sänger, er lässt sein Helsinki Baroque Orchestra sehr sensibel und transparent artikulieren. (…) Überall knistert es hier vor Spannung, brodelt es im Orchester, fühlt man mit den Protagonisten bis in das opernhaft-tragische Finale der Ballade hinein. Dort darf der Estnische Philharmonische Kammerchor zusammen mit dem Helsinki Baroque Orchestra seine besonderen lyrischen Qualitäten unterstreichen.
Aapo Häkkinen hat mit seinem Helsinki Baroque Orchestra nicht nur das bisher sträflich vernachlässigte Adventlied Robert Schumanns endlich auf CD eingespielt: der finnische Dirigent hat darüber hinaus gezeigt, wie lebendig, mitreißend und völlig frei von überzogenem Pathos man die üppigen Spätwerke Schumanns für Chor, Solisten und Orchester in Szene setzen kann. Ein spannendes Feld tut sich auch bei seiner Interpretation der Bachkantate im Sinne der Ästhetik der Romantik auf. Eine sehr inspirierende und auf hohem Niveau musizierte CD und ein Muss für alle Schumann-Liebhaber!
Jan Ritterstaedt, WDR 3, 16.7.2018

It’s a strange irony that, for all of Robert Schumann’s influence and popularity, a not insignificant amount of his orchestral music and nearly all of his writing for chorus remains obscure. To help remedy this situation, the Estonian Philharmonic Chamber Choir (EPCC) and Helsinki Baroque Orchestra (HBO), led by Aapo Häkkinen, step into the void with a new recording (for Ondine) of pieces Schumann wrote and arranged when he led the Dresden and Düsseldorf Musikvereins late in his short life: two pieces for chorus and orchestra, plus an arrangement of a Bach cantata.
The highlight of the disc would be the world premiere recording of Schumann’s setting of Friedrich Rückert’s Adventlied, a kind of humanistic Christmas-season anthem written in the aftermath of the revolutionary turmoils of 1848. It’s a relatively short piece – just over a quarter-hour long – but marked by chromatic lyricism and grandiose gestures that allude pretty strongly to Schumann’s model of Bach (perhaps channeled a bit through Mendelssohn’s example).
From soprano Carolyn Sampson’s floating, opening solo to the rousing final chorus, “Und lösch’ der Zwietracht Glimmen aus,” choir, soloists, and orchestra do the piece proud. Its vigorous contrapuntal writing is relayed with style and Schumann’s sometimes-awkward vocal parts, with their occasional big leaps, hold no terrors for the EPCC.
Throughout the recording, the HBO plays with vim. Häkkinen’s tempos are fluid and well-judged; he has a strong sense of the dramatic shape of each piece and capably draws out the subtleties of Schumann’s orchestral writing. Yes, there are times – in the original works, especially – when a bit more tonal warmth and sonic heft would be welcome (like the last section of Vom Pagen). But the ensemble’s playing is never scrawny and the big tradeoff of making Schumann’s sometimes-thick orchestral textures lucid ultimately pays off. A fine album, then, on several levels, and strongly recommended.
Jonathan Blumhofer, The Arts Fuse, 15.7.2018

If the Choral Ballad vom Pagen und der Königstochter is neglected, the Adventlied has been completely forgotten by record companies. This is its premiere recording. Listening to it left me wondering why. Composed in 1848, the Adventlied shares with the Requiem für Mignon the problem of how to define it. It sets poetic and not Biblical texts, with Schumann choosing three of Rückert’s sacred poems to great effect, dividing them into seven short stanzas. The music is typical of this period of the composer’s development, with his lush romanticism coming to the fore. This was his first major religious piece, although it is based more on the humanist spirituality of the romantic poets. The work opens with a short orchestral prelude before the entry of the soprano, and then alternates between solos, vocal quartets and lush choral writing, saving the most rousing music of all for the final section, Und lösch’ der Zwietracht Glimmen aus. He also uses the central stanza, O Herr von grosser Huld und Treue, to emphasise the religious aspect of the work by giving it a chorale-like character. This is a wonderful work, one that all admirers of Schumann’s music will enjoy.
The performances throughout this disc are excellent. Carolyn Sampson, in particular, gives a feeling of wonder, especially in the opening of the Adventlied, where all the soloists and the chorus sing beautifully. The orchestra has a heft that the composer would have appreciated. It does not sound like a small ensemble, even if it is only the size common at the time of composition, so those who do not like the sound of original instrument bands need not fear – the music given fully romantic treatment. The recorded sound is very good, whilst the booklet essay is just that – an essay setting the music in the context of the period and of the composer’s oeuvre. A must for all Schumann enthusiasts and not just for the Adventlied. Let us hope the same forces go on to record the remaining three Choral Ballads for Ondine.
Stuart Sillitoe, MusicWeb International, 6/2018

Wohl angeregt von Felix Mendelssohn-Bartholdys Neubelebungen der Bachschen Sakralmusik richtete [Robert Schumann] dessen Kantate BWV 105 nach dem Geschmack seiner Epoche ein. Der romantische Klang ist weit entfernt von unserem heutigen Verständnis dieser Musik, überzeugt aber in der vorliegenden Interpretation durch Innigkeit und Wärme.
Was der Komponist dem Studium von Bach und Händel verdankt, ist in dem Adventlied op. 71 zu vernehmen, das hier überhaupt zum ersten Mal auf Tonträgern festgehalten ist. Die vierteilige Ballade vom Pagen und der Königstochter op. 140, 1852 unter Leitung des Komponisten in Düsseldorf uraufgeführt, ist eine szenische Kantate auf einen Text von Emanuel Geibel, der ein romantisches Thema – die unstandesgemäße Liebe eines Pagen zur Tochter des Königs – aufgreift und weiterführt. Der Jüngling bezahlt den „Frevel“ mit dem Leben, seine Leiche wird ins Meer geworfen. Der Meermann baut aus den Knochen eine Harfe, die zur erzwungenen Hochzeit der Königstochter mit einem Prinzen erklingt und deren Tod herbeiführt. Die Ballade wird abwechselnd von einem Alt und dem Chor erzählt, dazwischen liegen Dialoge der handelnden Personen. Das Orchester schafft mit Hornsoli, Posaunenchor und Harfenklängen die Stimmungen für die Meermusik und das höfische Hochzeitsfest.
Ekkehard Pluta, Klassik heute, 1.6.2018


Koželuch: Gustav Wasa
Martina Janková, Helena Juntunen, Mario Zeffiri, Monica Groop, Cornelius Uhle, Niall Chorell, Tuuli Lindeberg
Helsinki Chamber Choir
Helsinki Baroque Orchestra
dir. Aapo Häkkinen
Helsinki Musiikkitalo, 3.3.–10.3.2018

Die Premiere von ”Gustav Wasa” Anfang März in Helsinki ist keine gewöhnliche. Es liegt eine Spannung in der Luft, die sonst nur Uraufführungen mit sich bringen. Eine Aufregung vor dem Unbekannten, Ungehörten, auch wenn es in diesem Fall gar keine neue, sondern alte Musik ist. Mehr als 200 Jahre schlummerte die Partitur Leopold Koželuchs in der Bibliothek des Prager Konservatoriums. In den 1960er-Jahren entdeckte der tschechische Musikwissenschaftler Milan Poštolka ”Gustav Wasa” – eine ”Groẞe Heroische Oper”. Drei Akte Musik für groẞes Orchester, inclusive drei Posaunen, und groẞem Schlagwerk, Chor und sieben Solisten. (…) Es mussten weitere Jahrzehnte vergehen, bis das Interesse und die finanziellen Ressourcen gegeben waren, eine spielbare Edition des Manuskriptes zu erstellen. Der Herausforderung nahm sich der Cembalist und Dirigent Aapo Häkkinen mit dem Helsinki Baroque Orchestra an. Auch er begab sich auf Spurensuche über die Hintergründe der Oper – eine Spurensuche, die Indiz für Indiz detektivisch zusammenzählt, um trotz Lücken ein schlüssiges Gesamtbild zu bekommen.
Koželuch hat für die Tenor-Partie gewaltige aber auch milde, fast zärtliche Arien komponiert, die mit der schmeichelnden, geerdeten Stimme Mario Zeffiris den Zuhörer zur absoluten Ergebenheit manipulieren. (…) Im dramatischen Höhepunkt, als Helena Juntunen als Gustavs Mutter Cecilia, in einer verstörend ergreifenden Arie ihr Schicksal erkennt, entschlieẞt sie sich in leonorehaftem Gestus ihr Leben dem Schwedische Volk zu opfern.
Mit sympathischer Zurückhaltung und zugleich elektrisierender Energie leitet Aapo Häkkinen das fulminante Helsinki Baroque Orchestra und den Helsinki Kammerchor. Es stellt sich an diesem Abend heraus: Dieses Ensemble spielt in der ersten Liga der europäischen ”Alte Musik”-Orchester. Sie interpretieren Koželuchs Musik derartig interessant, gestalten die dramatischen Rezitative farbenreich, impulsive und zugleich absolut präzise, dass man sich nur wundern kann, warum diese Musik 200 Jahre auf ihre Wiederentdeckung warten musste.
Nastasia Tietze, Orpheus, 3/2018

Leopold Koželuch’s opera was performed by conductor Aapo Häkkinen and the Helsinki Baroque Orchestra. Whatever interest the scenic technology held, it was above all the music that shone. The Helsinki Baroque Orchestra has a remarkably high level that enabled it to cope with the score, already boasting many features of romantic discourse.
Koželuch (1747–1818) was a Classical composer, Mozart’s senior somewhat, but the music here is looking more towards Beethoven’s Fidelio, with occasional presentiments of Franz Schubert and Carl Maria von Weber. Some ornate arias resemble larger scenes of Rossini’s serious operas – their effusive passages growing from a progressively developed recitative. Gustav’s meditation in the beginning of the second act and the aria of his mother in prison certainly remind one of Fidelio. It is not quite certain when the opera Gustav Vasa originated, but probably not far from Fidelio.
Aapo Häkkinen highlighted the romantic in the music, leading a deeply-felt performance and strongly emphasizing the music’s contrasts. (…) Koželuch’s skilled orchestration, especially the wind writing, came off beautifully. The three trombones are incorporated into the orchestral sound in a unique way.
Lead sopranos Martina Janková and Helena Juntunen starred in the roles of Christina and Cecilia. Both were most adequate in terms of voice type – Janková’s luminous soprano for the active Christina, Juntunen’s darker voice for the suffering lady. Both were excellent in their extended aria passages that call for thought-out expression and construction. Their voices also blended well together.
Boris Klepal, Český rozhlas, 5.3.2018


Bach, Telemann
Carolyn Sampson, soprano
Helsinki Baroque Orchestra
dir. Aapo Häkkinen, harpsichord
Wigmore Hall, 6.1.2018

Helsinki Baroque Orchestra has a thrillingly rich dynamic range. Telemann’s Ouverture burlesque in B flat was handsomely articulated, with a powerful tang to the Mezzetin en Turc. In Bach’s D major Harpsichord Concerto (BWV1054) cheeky details from the violas cut through the knitting-machine regularity of the keyboard part, while the velvet tones of the muted strings soothed a jarring change of registration in the slow movement. The violinist Cecilia Bernardini led with style and spirit.
Offered as an encore (…) Carolyn Sampson and the trumpeter Nicholas Emmerson breathed into the long, radiant phrases of Handel’s Eternal Source of Light Divine, gliding effortlessly over the summer meadow haze of the strings of the Helsinki Baroque Orchestra.
Anna Picard, The Times, 9.1.2018

Good to see the proliferation of live Telemann continuing with that composer providing the music for the first half of this concert.
The Helsinki Baroque Orchestra has been led by Aapo Häkkinen since 2003, and there is certainly a unanimity of approach and attack that speaks of long acquaintance.
One piece that was heard at Itinéraire Baroque was Telemann’s Canary Cantata. There it was Bettina Pahn with the Amsterdam Baroque Orchestra under Ton Koopman who did the honours; here it was the well-loved Carolyn Sampson who captivated our hearts. One did wonder whether her black dress was in mourning or concert garb (the former: she was more brightly clad for the Bach in the second half). Clarity and grace characterised her superb account; in taking Telemann’s outpouring for a bird seriously one could more easily enjoy Telemann’s underlying wit. The accompaniment, too, was of great sensitivity and cleanliness. A superb way to lead-in to the interval.
Bach’s Concerto for keyboard, BWV1054 is extracted from the earlier E major Violin Concerto, BWV1042. The ultra-staccato opening announced this was not going to be an ‘easy’ interpretation. Häkkinen gave a creditable account of the harpsichord contribution, although his occasional gentle play with the underlying pulse threatened to extend too far.
Finally, the solo cantata Jauchzet Gott in allen Landen for soprano, strings and solo trumpeter. Dating from Bach’s Leipzig years, the piece exudes joy. Sampson found a gloriously interior space for the recitative ‘Wir beten zu dem Tempel an’ before the Choral (…) managed by solo voice against two florid antiphonal solo violins, an effect that worked perfectly.
An encore would surely have to feature both soprano and trumpet after that, and so it was: Handel’s ‘Eternal source of light divine’ from the Ode for the Birthday of Queen Anne, HWV 74. Slowly unfurling lines weaved their way across the Wigmore’s acoustic space magically; a truly fabulously chosen encore.
Colin Clarke, Seen and Heard International, 7.1.2018


J.S. Bach: Harpsichord concertos, vol. 3
Pierre Hantaï & Aapo Häkkinen, harpsichord
Helsinki Baroque Orchestra
AEOLUS, 2017

Johann Sebastian Bach gilt als einer der Erfinder des Klavierkonzerts. Dass die Linien da so scharf nicht zu ziehen sind, lässt sich im Booklet-Text Aapo Häkkinens nachlesen, und seine Aufnahme, gemeinsam mit seinem einstigen Lehrer Pierre Hantaï und dem Helsinki Baroque Orchestra eingespielt, lässt das auch erkennen.
Das Helsinki Baroque Orchestra musiziert in Quartettbesetzung und folgt damit neueren Forschungen Richard Maunders. Die Aufnahme zeigt, dass das keinen Verlust an Klangpracht bedeutet: Im Gegenteil kommt der Cembaloklang so erst recht als Tuttifaktor ins Spiel. Und die beiden Cembali, erbaut von Jürgen Ammer nach Johann Heinrich Harrass und Zacharias Hildebrandt, haben da bei deutlich unterschiedlichem Charakter einiges zu bieten. Hantaï, Häkkinen und das Orchester musizieren in nahtlosem Einklang, mit schöner Elastizität der Tempi und klanglicher Delikatesse, besonders spürbar in den langsamen Sätzen, wenn die Tasteninstrumente das Cantabile der Melodieinstrumente nachahmen. Doch vernimmt man auch Freude am konzertanten Lärmen – besonders lustvoll im C-Dur-Concerto und seinem Finale, einem wahren Fugen-Ohrwurm.
Friedrich Sprondel, Fono Forum, 6/2018

These are admirably free and flowing performances. Both soloists have a keen sense for the rubato and delay required for effective phrasing, but in most cases this is so subtle that you have to really listen to work out how it’s done. The strings are similarly vibrant, with excellent ensemble and a rich tone to support the soloists.
On first hearing, this disc can seem austere. The scale of the instrumentation, while historically justified, seems very small. (…) But the level of musicianship here is outstanding, and, while clarity of texture is a primary goal, the musical interest never flags.
Gavin Dixon, Fanfare, 5/2018

Après les concertos pour cembalo (deux volumes en 2012 et 2013), ceux pour cembali, avec un invité de choix en terre finlandaise. Pierre Hantaï se joint à la belle équipe de chambristes conduits par Aapo Häkkinen, dont l’effectif s’est affiné. Plus d’orgue de continuo, toujours pas de basse de seize pieds, mais l’un des deux remarquables clavecins sortis des ateliers du regretté Jürgen Ammer – la copie d’après Harrass – y pourvoit d’une certaine manière. Aux trois concertos pour deux clavecins, donc, s’ajoute une page singulière de Wilhelm Friedemann Bach, son Duetto a duoi cembali concertati. Retards, syncopes d’harmonie, coups de théâtre, la boîte à outils du Sturm und Drang s’empare des cordes pincées.
Les deux interprètes portent un regard neuf sur les concertos du père Bach, où les limites d’un clavecin qui s’époumone rencontrent souvent la timidité de cordes jouant sur la pointe des pieds pour ne pas lui faire d’ombre. Certes, les deux instruments de type allemande possèdent par nature une autorité etrangère à un Blanchet, mais c’est surtout le cadre rhétorique qui a changé. La structure du phrasé, un véritable rubato concerté avec l’orchestre (premier volet du BWV 1060), le renforcement occasionnel de l’harmonie aux mains gauches font souffler un vent d’improvisation sur ces compositions dont la mise en scène pose mille problèmes sur le plan aqoustique. Comme cela respire large et sonne profond ! Qui devinerait, à l’aveugle, que l'” orchestre ” ne compte que quatre archets ?
Häkkinen laisse à l’évidence Hantaï tenir les rênes : le Harrass est plus sonore, son seize pieds royal, l’articulation et la projection du soliste s’avèrent éclatantes. Ce contraste renforce l’intelligibilité du discours et apporte une nouvelle dimension au dialogue dans les mouvements rapides. Dans l’Allegro assai du BWV 1062, Hantaï et Häkkinen prennent leur distances avec l’oeuvre pour deux violons que Bach transcrit ici : ils proposent une alternative qui n’a rien à envier à l’original, toutes les ressources dynamiques et de registration sont prolongées par le quatuor. Timbre, places d’archets, forme de notes, tout un vocabulaire du jeu baroque est exploité avec un souci d’expressivité permanent.
On se souvient de l’éclatante réussite du Duetto de Wilhelm Friedemann sous les doigts de Robert Hill et Andreas Staier en 1986 (Archiv). Empruntant des chemins plus souples et s’autorisant une ornementation plus aventureuse, leurs successeurs apportent de passionnantes solutions stylistiques. On y sent davantage la pensée pianistique en germe que dans l’éclat plus ouvertement baroque de leurs illustres devanciers.
Philippe Ramin, Diapason, 1/2018 (DIAPASON D’OR)

Der finnische Cembalist Aapo Häkkinen hat immer wieder gezeigt, dass er ein Musiker ersten Ranges ist – und als solcher auch ungewöhnliche Interpreta­tions­­­entscheidungen durchsetzt, wenn sie denn seinen musikalischen Instink­ten entsprechen. So hat er beispielsweise die mit Abstand langsamste Auf­nahme von Bachs Gamben­sonaten vorgelegt.
Auf der anderen Seite hat auch Pierre Hantaï im Lauf von Jahrzehnten der Beschäftigung mit Bachs Cembalowerken einen ganz eigenen, abgeklärten und in sich ruhenden Zugang zu diesem musikalischen Kosmos gefunden.
Soweit die Ausgangslage. Was davon ist zu hören im Zusammenspiel von Häkkinen und Hantaï, auf ihrer neuen CD?
Mühelose Harmonie – die schon aus technischen Gründen verblüfft. Anders als bei Streichinstrumenten gibt es bei Klavieren keinen Einschwingvorgang für den Ton. Der Tastendruck schleudert einen Hammer gegen einen Saite; und augen­blicklich ist der Ton da. Noch direkter ist die Tonerzeugung beim Cembalo, das die Saiten mit Plektren anzupft. Kein Pedal, keine weiche Anschlagskultur kann hier dem Ton eine Aura verleihen. Nur zwei Cembalisten, die exakt mit dem gleichen Zeitempfin­den spielen, geraten gemeinsam in einen musikalischen Fluss oder „Flow“… wie hier Aapo Häkkinen und Pierre Hantaï.
Zu hören ist reine Kammermusik, ein Wechselspiel von feinsinnigen Gesten zwischen den Cembalisten und den Streichern, die in einer Orchesterbesetzung nicht möglich wäre. Doch Bachs Cembalokonzerte bedürfen keines Orchesters; jede Streicherstimme einfach zu besetzen, das ist diesen Stücken historisch angemessen und gibt auch musikalisch Sinn.
Sogar auf den Streichbass verzich­tet Häkkinen nun, entsprechend den neuesten Forschungsergebnissen zur Aufführungspraxis der Bach-Konzerte. Im Ergebnis hören wir zwei Cembalisten im vertrauten Gespräch mit einem Streichquartett: Zwei Violinen, Viola und Violoncello – gespielt von vier famosen Finnen aus Häkkinens Helsinki Baroque Orchestra. Fast tänzerisch ihr Auftreten in den raschen Sätzen, ein zärtliches Singen in den langsamen – und stets beglückend transparent.
Spielraum gewonnen – ganz wörtlich! – haben dadurch die beiden Cemba­listen. Hantaï und Häkkinen sitzen an Nachbauten von Instrumenten, an denen Bach selbst musiziert hat. Wunderbar ausgereifte und in sich harmoni­sche Cembali von Harrass und Hildebrandt, mit jeweils zwei Manualen und Lautenzug; das eine (von Hantaï gespielt) mit sonorem 16-Fuß-Bassregister, wie von Bach bevorzugt. Majestätisch aufbrausen oder zierlich summen: Da gibt es nichts, was diesen Instrumenten nicht möglich wäre. Ihre Stimmen sind durchaus unterscheidbar, wie die der beiden Cembalisten, die auf ihnen spielen.
Eben das macht den Reiz dieser Aufnahme aus: Hörbar musizieren hier zwei Individualisten, zwei Persönlichkeiten; doch einig im Zugriff auf Bachs Musik, der frei ist von oberflächlichen Affekten, empfindsam und kraftvoll federnd zugleich. Ihre rhythmische Kontrolle ist makellos, ebenso wie die Wahl der Satz­tempi – und ihr Sinn für winzige Temporückungen innerhalb einer musika­li­schen Phrase.
Drei Konzerte für zwei Cembali hat Bach hinterlassen, zusammen eine Drei­viertel­­stunde Spielzeit. Um ihre CD rund zu machen, haben Häkkinen und Hantaï sich zusätzlich bei dem Komponisten bedient, der nicht nur das Harass-Cembalo der alten Bach geerbt hat, sondern auch einen Gutteil seines musikalischen Genius… Wilhelm Friedemann Bach kommt in dem hier zu hörenden Concerto für zwei Cembali ohne Streicherbegleitung aus. Musik eines jungen Mannes: entstanden 1733, exakt zur selben Zeit wie die eben gehörten Konzerte des großen Johann Sebastian. Und doch läutet Bach junior in seiner Musiksprache bereits selbstbewusst eine neue Ära ein. Eine Zugabe, die nicht nur das Repertoire erweitert, sondern auch unseren musikalischen Horizont – und diese CD vollends zur Referenzeinspielung macht.
Oliver Cech, WDR 3, 18.12.2017


Kraus, Mozart, Beethoven
Sophie Karthäuser, soprano
Helsinki Baroque Orchestra
dir. René Jacobs
Ingolstadt Konzertverein, 19.5.2017

Das Orchester wütete, Sophie Karthäuser tobte: “Ah! Perfido, spergiuro, barbaro traditor” – Ach! Du treuloser, wortbrüchiger, barbarischer Verräter, schmetterte sie in den Saal. Ihr Timbre war dabei von unvergleichlicher Anmut, das Stimmmaterial strahlendes vokales Edelmetall. Kaum zu glauben: So hinreißend schön können Katastrophen sein – zumindest, wenn Sophie Karthäuser singt.
Die Sopranistin gastierte zum Abschluss der Jubiläumssaison 100 Jahre Konzertverein Ingolstadt im Theaterfestsaal. Begleitet wurde Ludwig van Beethovens Konzertarie von einem der erfolgreichsten Pioniere der historischen Aufführungspraxis, dem Belgier René Jacobs am Dirigentenpult des Helsinki Baroque Orchestra. Eine bessere Besetzung für das Festkonzert lässt sich wahrscheinlich kaum finden für diese Arie. Karthäuser macht regelmäßig Furore als Interpretin barocker oder klassischer Sopranpartien.
In Ingolstadt erregte sie sich, bis ihr der Schweiß von der Stirn lief. Zorn, Angst, fast schon tränenerstickte Schluchzer, schmerzverzerrte Ausbrüche – all diese Affekte hält diese Musik bereit, und Sophie Karthäuser stilisierte sie mit größter Perfektion, ihre Stimme war in jeder Lage sicher, änderte niemals die Klangfarbe, jedes Vibrato war gekonnt eingesetzt. Am Ende strömte ihr Sopran mit einer Urgewalt über die Köpfe der Zuhörer hinweg, als wollte sie mit Tönen töten. Um die ewigen Qualen und Freuden der Verliebtheit ging es zuvor bereits in den drei Konzertarien von Mozart KV 486a, 587 und 528, und auch hier sang Karthäuser bewunderungswürdig, schön und abgründig, erschütternd und gekonnt. Was für eine Sängerin!
Dabei assistierte ihr das auf Originalinstrumenten musizierende Orchester mit höchstem Einfühlungsvermögen, jede seelische Regung sensibel mitverfolgend. Star des Abends war diesmal ganz gewiss nicht nur die wunderbare Mozart-Sängerin Karthäuser, sondern auch das Orchester und natürlich René Jacobs, der in den vergangenen Jahren mit seinen Einspielungen von Mozart-Opern geradezu stilbildend wirkte.
Er eröffnete den Abend mit einem Werk, das nur sehr selten im Konzertsaal zu hören ist – mit Joseph Martin Kraus’ Suite aus der Oper “Aeneas in Carthage”. Kraus (1756-1792) ist auch unter dem Spitznamen “Stockholmer Mozart” bekannt, da er fast gleichzeitig wie das Salzburger Wunderkind lebte. Trotz seiner mangelnden Präsenz im gegenwärtigen Musikleben hat er einen hervorragenden Ruf in der Fachwelt. Joseph Haydn zählte ihn zu den einzigen beiden musikalischen Genies, die er kenne – das andere war Mozart.
Der Vergleich mit dem Klassiker greift dennoch ein wenig zu kurz. Kraus ist ein Mann des Übergangs, ein Komponist der Sturm-und-Drang-Epoche.
Seine Suite dirigierte Jacobs massiv und schwergängig. Selbst die tänzelnden Ballett-Einlagen schritten düster voran. Der tragische Tonfall war immer gegenwärtig, bis hin zum Sturm am Ende. Dann ließ Jacobs die Musik im kunstvoll organisierten Radau der Sturmmaschinen, des Theaterdonners und der Windmaschine schier untergehen.
Viel spannender und auch spannungsgeladener dagegen Beethovens 1. Sinfonie. Die auch von den Originalklang-Apologeten immer ein wenig vernachlässigte Sinfonie wirkte unter seinen Händen plötzlich taufrisch, wie eine unerhörte Entdeckungsreise. Viel Gewicht hatte bereits die Orchestersitzordnung. Jacobs konzentrierte die Bläser auf die rechte Seite und ließ sie den Streichern zuspielen, was einen verblüffenden Stereoeffekt ergab. Über weite Bereiche des Frühwerks hörte man keine Mischinstrumentation, sondern eine Art Registerklang (fast wie bei Bruckner), in dem sich Bläser und Streicher gegenseitig die Motive zuwarfen.
Und: Jacobs setzte tatsächlich mit aller Konsequenz die (immer wieder als unspielbar bezeichneten) Metronom-Angaben Beethovens durch. Mit überraschender Wirkung: Die schnellen Sätze rauschten fast italienisch rossinihaft daher. Den zweiten Satz konnte man mit dem besten Willen nicht mehr als langsam bezeichnen. Und das Finale entwickelte einen kecken Humor. Vor allem aber machten die Helsinkier Musiker ihre Sache hervorragend, selbst die höllisch schnellen Sechzehntel-Läufe im Stakkato kamen wie geölt daher. Beethoven mit Vollgas, man wünschte sich, noch viel mehr davon von René Jacobs zu hören.
Aber das war noch nicht der passende Saison-Ausklang. Für die Zugabe kam Sophie Karthäuser wieder auf die Bühne und sang Mozarts Arie “Nehmt meinen Dank, ihr holden Gönner!” Mit strahlendem Lächeln warf sie dabei dem von Mozart und Beethoven berauschten Publikum einen Luftkuss zu.
Jesko Schulze-Reimpell, Donaukurier, 21.5.2017

Das Jubiläumsprogramm „100 Jahre Konzertverein Ingolstadt“ bot ohne Zweifel spektakuläre Ereignisse, mit Solisten und Ensembles der absoluten Weltspitze.
Großartige Interpreten sorgten an der Donau für unvergessliche Live-Erlebnisse und verknüpften in schier einzigartiger Manier „Alte Musik“ mit Werken der Gegenwart: Beispielsweise die Gesangssolisten, Christian Gerhaher, Christiane Karg, das herausragende Sinfonieorchester aus Moskau, der Chor des Bayerischen Rundfunks, das Armida Quartett, die junge überaus talentierte Nachwuchskünstlerin Raphaela Gromes (Cello), die Weltmusikerin Sol Gabetta (Cello), die wohl gefragteste Klavierinterpretin unserer Tage, Ragna Schirmer, das Mandelring Quartett mit dem in Ingolstadt geborenen Roland Glassl (Viola), The Philharmonics mit Solisten der Berliner und Wiener Philharmoniker oder auch das Mannheimer Mozartorchester mit Martin Stadtfeld (Klavier).
Den krönenden Abschluss dieser sicherlich auf Jahre hinweg einzigartigen Konzertsaison machte wohl eines der besten Ensembles für Musik, gemäß historisch informierter Aufführungspraxis: das Helsinki Baroque Orchestra unter der Leitung des Spezialisten für „Originalklangmusik“ und langjährigen Intendanten der Innsbrucker Festwochen, René Jacobs sowie die überaus versierte Mozart-Interpretin, Sophie Karthäuser (Sopran). Gleich zum Auftakt verdeutlichte das Helsinki Baroque Orchestra bei einer makellosen Intonation der „Suite“ aus der Oper „Dido und Aeneas“ von Joseph Martin Kraus, wie affektvoll und facettenreich „Alte Musik“ klingen kann. Gerade in diesem Werk wimmelt es von herrlichen Kantilenen, Ausdrucksfinessen, Klang-Schönheiten, und dynamisch erlesen in Szene gesetzter Mehrstimmigkeit, die auch bei Beethovens bekannter Sinfonie Nr. 1 in C-Dur – am Ende des atemberaubenden Konzertes deutlich wurde.
René Jacobs, der sich in der Vergangenheit mit mehr als 260 Aufnahmen, einer regen Tätigkeit (Sänger, Dirigent, Wissenschaftler und Lehrer) als eine der bedeutendsten Persönlichkeiten in der Musik des Barock und der Klassik profilieren konnte, ließ den so engagiert agierenden Musikern aus Finnland, zart und innig geführt, einen bemerkenswert großen Freiraum, der sich positiv auf die Tonstruktur und das lebendige Musizieren auswirkte. Zudem sorgte er stets glanzvoll für die im Barock so wichtigen dynamischen Nuancen. Der Grammy-Gewinner, Ehrendoktor der Universität Gent und mehrfach ausgezeichnete Künstler zählt ohne Zweifel auch zu den ganz großen Dirigenten. Dies wurde im Konzertverlauf besonders deutlich.
Viele Jahre schon arbeitet Sophie Karthäuser mit René Jacobs zusammen. Die belgische Sopranistin ist an den herausragenden Musikzentren der Welt bestens bekannt und vor allem im Opernfach oder auch bei Lied-Rezitals überaus gefragt. Besonders bei Mozart scheint sie ganz im Element zu sein. Die von ihr dargebotenen Konzertarien, „Basta, vincesti“, „Alma grande e nobil core“ sowie „Bella mia flamma, addio“, die sich zwischen Trost und Hingabe bewegen, waren somit voll von zärtlicher, gleichermaßen dramatischer Hingabe an eine Musik, die Herz und Seele des spürbar beeindruckten Publikums in einzigartiger Manier erfüllen konnte.
Johannes Seifert, Augsburger Allgemeine, 22.5.2017

Reviews 2016

Kraus, Schubert
Monica Groop, mezzo-soprano
Helsinki Baroque Orchestra
dir. Aapo Häkkinen
Schwetzinger Festspiele, 9.5.2016

Unter der Leitung des Cembalisten Aapo Häkkinen legte das Orchester eine liebevoll ausgefeilte Wiedergabe der c-Moll-Sinfonie [von Kraus] vor. In zartem, transparentem Spiel unterstrich das kleine Orchester den elegischen Ausdruck der Sätze. Monica Groop zeichnete mit ihrem differenziert geführten Mezzosopran nach, wie geschickt Kraus in den drei ausgewählten Konzertarien die im Text geschilderten Gefühle in Musik verwandelt hat. Der Abend hatte aber noch das Werk eines weiterem früh verstorbenen Genies im Programm: die vierte Sinfonie von Franz Schubert. Dass das stilgetreu musizierende Helsinki Baroque Orchestra im Klang nicht so glatt poliert ist wie große internationale Klangkörper, sorgte für eine authentische Atmosphäre. Die Musiker verliehen den Ecksätzen dramatischen Ausdruck, vor allem der Finalsatz erhielt eine mitreißende innere Spannung. Sehr gelungen war der Kontrast zwischen Menuett und idyllischen Trio.
Nike Luber, Rhein-Neckar-Zeitung, 18.5.2016

Reviews 2015

Monteverdi: L’incoronazione di Poppea
dir. Aapo Häkkinen
Finnish National Opera, 25.9.-3.10.2015

The element of the operatic repertory least well represented at the Finnish National Opera is Baroque opera. However, this gap has been satisfactorily filled from time to time by guest performances, such as the recent production, by the Finnish Chamber Opera, of Monteverdi’s L’incoronazione di Poppea. The matinee (…) was almost sold out, so there would seem to be an appreciative audience here for more than the standard Romantic operas.
The production had a firm foundation to work from in its collaboration with the highly accomplished Helsinki Baroque Orchestra. The conductor Aapo Häkkinen led this excellent ensemble, realizing the finest subtleties of Monteverdi’s score.
Vocally the performance was certainly enjoyable. Monica Groop was impressive as an imperious Ottavia, formidable when blackmailing Ottone into attempting to kill Poppea, touching when forced into exile. Helena Juntunen as Poppea gave a very good performance as the uninhibitedly sensuous object of passionate love (…) And yet Kajsa Dahlbäck almost outdid Juntunen with her deeply felt portrayal of Drusilla; her scenes were some of the most charming of the entire performance.
Henry Bacon, Opera, 1/2016


Musica Baltica
Helsinki Baroque Orchestra
Neuburger Barockkonzerte, 8.10.2015

Nicht zu kämpfen hatten diese sieben Musiker des Helsinki Baroque Orchestra: Weder mit Taste, Bogen, noch Saite – voller Passion, Hingabe und unbeschwerter Spielfreude traten sie auf und verliehen der Musik beschwingte Flügel. Par excellence musizierten sie auf ihrem Instrumentarium, Kompositionen klangen auf, die sich in der grandiosen “Düben-Sammlung” aus Uppsala finden (…)
Gewiss, es war ein Aufbruch ins Barocke Zeitalter, aber das Ensemble nahm förmlich Anlauf, sodass seine Interpretationen innovative Sprengkraft bargen, die voller Überraschungen stecken. Diese Musik schien aus der Zeit zu fallen, als ginge das Septett zurück in der Zukunft.
Voller physischer Präsenz, spiritueller Durchdringung und emotionaler Feinzeichnung appelierte hier das Barockensemble ans Tanzbein: Dieser Schwung, dieses Feuer traf der Zeitgeist überschwängliche Freude im Kontrast zur reflexiven Paduan oder Sarabande.
Ulrich Ostermeier, Augsburger Allgemeine, 10.10.2015


Handel, Mozart
Julia Lezhneva, soprano
Helsinki Baroque Orchestra
dir. Aapo Häkkinen
Dresdner Musikfestspiele, 15.5.2015

Julia Lezhnevas Auftritt am Freitag in der Frauenkirche, begleitet vom Helsinki Baroque Orchestra, erwies sich als ein Glanzlicht der Festspiele (…) Bei Mozarts G-Dur-Sinfonie zeigten sich die Finnen in ihrem Element. Sie ließen dieses Kleinod der frühklassik funkeln, dass es eine ungetrübte Freude war. Doch trat die instrumentale Kunst in den Hintergrund, wenn Prinzessin Julia zu singen anhub (…) Julia Lezhneva nuancierte hier am Rande des Hörbaren, sie tat, was Nachtigallen täten, wenn sie flüstern könnten. Was für ein Abend!
Jens-Uwe Sommerschuh, Sächsiche Zeitung, 18.5.2015

Das Helsinki Baroque Orchestra unter Leitung von Aapo Häkkinen pflegt einen eleganten Musizierstil – so gehört nicht nur in Mozarts Sinfonie Nr. 15 G-Dur KV 124, sondern durchaus auch angewandt auf die beide Ouvertüren Händels. Andere Alte-Musik-Ensembles gehen da sicher impulsiver, prägnanter zur Sache, gleichwohl entfaltete die von Präzision und Klarheit getragene Sicht der Finnen Eindruck und war weit davon entfernt, unterkühlt zu wirken.
Sybille Graf, Dresdner Neueste Nachrichten, 18.5.2015


Handel, Mozart
Julia Lezhneva, soprano
Dmitry Sinkovsky, violin
Helsinki Baroque Orchestra
dir. Aapo Häkkinen
Kurhaus, Hamm, 21.1.2015
Herkulessaal, Munich, 23.1.2015
Kursaal, Merano, 25.1.2015

Bereits das Eröffnungsstück, Händels Ouvertüre in F-Dur HWV 342, setzte Maßstäbe: Das Orchester erreichte einen plastischen, transparenten Klang voller Wärme, der Raum gab für lebendige Nuancierungen und Artikulationen (…) Lezhneva, Sinkovsky und das Orchester mit seinem künstlerischen Leiter Aapo Häkkinen am Cembalo schufen einen Klang, der die größtmögliche Genauigkeit im Zusammenspiel mit einer intensiven Lebendigkeit und schwereloser Leichtigkeit anreicherte. Für dieses außergewöhnliche Konzerterlebnis bedankte sich das Publikum mit minutenlangen stehenden Ovationen und entließ die Akteure erst nach drei Zugaben.
Bianca Stücker, Westfälischer Anzeiger, 23.1.2015

Nach dem zweiten, wunderbar leise und verhalten strömenden Händel-“Encore”, dem noch weitere folgen sollten, gab es Ovationen und “Brava”-Rufe im Herkulessaal für eine großartige junge Sopranistin, die in München debütierte, der aber schon der Ruf einer außergewöhnlichen Sängerin vorausgeeilt war: Julia Lezhneva. Mit Arien aus selten gespielten Opern und Oratorien Georg Friedrich Händels, dazu dessen “Salve Regina” und Mozarts “Exsultate, jubilate” hatte sie einen ganzen Abend lang an der Seite des exzellenten Helsinki Baroque Orchestra unter Leitung von Aapo Häkkinen begeistert.
Klaus Kalchschmid, Süddeutsche Zeitung, 25.1.2015

Das Helsinki Baroque Orchestra unter Aapo Häkkinen ist zu alledem ideal: frisch, exakt, nie verbissen und technisch reif. Im Bravo-Überschwang ging das Konzert in vier Zugaben, wurde immer freier und so zu einem Hochgenuss.
Adrian Prechtel, Abendzeitung, 25.1.2015

Aus dem Saal leuchten die Augen aller bei tosendem Jubel – so etwas hat es noch nie gegeben – für ein Konzert das pathetisch gesprochen, auch mit zwei Zugaben der Sängerin und mit dem innigen Duett “Vivo in te” mit Sinkovsky als Countertenor zum Besten gehört, was je bei Musik Meran zu hören war. Was für ein Abend, was für ein genuines Publikum, das diese Sternstunde als musikalisches Hochamt mit zelebriert!
C.F. Pichler, Dolomiten, 28.1.2015
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Kraus: Arias and Overtures
Monica Groop, mezzo-soprano
Helsinki Baroque Orchestra
dir. Aapo Häkkinen
Naxos, 2014

The Helsinki Baroque Orchestra, under harpsichordist Aapo Häkkinen, has a few previous recordings under its belt (…) As impressive as those recordings were, the present disc surpasses them in the excellence of the playing and the recorded sound. The string playing here is polished and mellifluous, on a par with the best period orchestras around. The winds are mighty fine, too — I especially enjoyed the glowing oboe solo in the slow introduction to the Proserpin Overture, the bright, incisive trumpets in the “Birthday” Overture, and the brazen horns in the Äfventyraren Overture. Conductor Häkkinen, who also accompanies on the fortepiano throughout, inspires his forces to play with vigor and precision. Given the consistently high energy level, you might mistake these cold-climate Finns for a bunch of hot-blooded Italians!
Finnish mezzo-soprano Monica Groop is the soloist in the arias; she sings with her customary refinement and expressiveness. There is quite a variety here, from the Swedish-language arias, drawn mostly from instrumental music to stage plays, to the Italian-language arias on texts by Metastasio, to the one sacred aria in Latin, Parvum quando cerno Deum. I sense that Groop is most inspired by the Italian arias; these seem to lie closest to her artistic sensibilities. She adopts a more overtly operatic style in these numbers, although I have a hard time believing that anyone sang with this much vibrato in the 18th century. Still, her sound corresponds to the present-day “norm” for period-instrument performance, and is never less than enjoyable.
If you’re still undecided about this disc, I urge you to audition the Äfventyraren (The Adventurer) Overture. Unquestionably the major work on this CD, it is an endlessly inventive, fascinating piece that either Mozart or Haydn would have been proud to call his own, and Helsinki Baroque plays it to the hilt. Highest recommendation.
Christopher Brodersen, Fanfare, 1/2015

‘That man has a noble style, the like of which I have found in no one else,’ remarked Gluck of Joseph Martin Kraus (1756-92), Mannheim-trained but active for most of his career in Stockholm. Gluck is indeed a dominant influence in these assorted overtures and arias, though Kraus’s colourful orchestration, vividly delineated by the Helsinki period band, owes more to his Mannheim experiences.
The playing throughout bristles with energy, with natural horns and contrabassoon lending an aptly raucous buzz to the tutti textures.
Richard Wigmore, Gramophone, 4/2015

Reviews 2014

Kraus: Arias and Overtures
Monica Groop, mezzo-soprano
Helsinki Baroque Orchestra
dir. Aapo Häkkinen
Naxos, 2014

Regular readers will know that I am a fan of both Kraus and Aapo Häkkinen’s stylish performances, especially at the helm of Helsinki Baroque Orchestra – one of the few organisations prepared to explore the less-trodden paths of the rococo period and beyond. From the opening notes of the present CD, it is clear that this will be an impassioned plea for Kraus’s admittance into the mainstream (…) And if the precisely articulated string playing, sonorous winds with punctuating brass and the perfectly timed fortepiano interjections fail to persuade you, then you can rely on mezzo Monica Groop to charm your ears in any various tongues! Hers is an instrument of great warmth and power, yet it is never deployed to the detriment of Kraus’s fabulous music. If the overture to Gustav III’s birthday ode does not energise you, or you remain unmoved by the dramatic opening to the cantata for the same monarch’s funeral, then there is no hope. Sorry! I hope this will not be the last Kraus we hear from the Helsinki Baroque Orchestra.
Brian Clark, Early Music Review, 10/2014

Joseph Martin Kraus was born in Germany in 1756 and moved to Stockholm at age 21, where he spent the best years of his short career at the court of the ill-fated Gustav III, before dying of tuberculosis at age 36. He is sometimes referred to as the “Swedish Mozart,” and was frequently praised by many fellow musicians including Haydn, whom he met on a grand tour of Europe. Why he’s been so neglected in modern times seems a mystery when listening to this collection of his very effective stage music by the Helsinki Baroque Orchestra. Along with several lively overtures, the fine Finnish soprano Monica Group is featured on a handful arias including one from a cantata written in King Gustav’s honor.
WQXR New York, 10/2014 (ALBUM OF THE WEEK)

Avec Haydn, Joseph Martin Kraus était considéré comme l’un des deux seuls génies de l’époque. Il est reconnu comme le compositeur et le chef d’orchestre allemand le plus talentueux du XVIIIe siècle, aux côtés de Mozart. Helsinki Baroque Orchestra, fondé en 1997, qui a développé au cours de son histoire de dix-sept ans l’un des plus beaux ensembles, est dirigé sur ce disque par Aapo Häkkinen, directeur artistique depuis 2003. La mezzo-soprano Monica Groop, un des dons les plus précieux de la Finlande au monde musical, prête sa voix à ce disque. Sa vaste expérience dans des rôles de Mozart la qualifie comme un défenseur naturel pour la musique vocale de Kraus et son talent exceptionnel se retrouve sur cet album.
Brigitte Dunwoody, Le BabillART, 10/2014

Entdeckenswert
Der finnische Cembalist und Dirigent Aapo Häkkinen ist gemeinsam mit seinem Helsinki Baroque Orchestra in puncto CD-Repertoire zurzeit zweigleisig unterwegs: Zum einen widmet er sich aktuell dem Konzertschaffen Johann Sebastian Bachs für sein Instrument, zum anderen legt er offenbar einen Akzent auf die musikalischen Heroen des skandinavischen Nachbarn Schweden. Nach Orchestermusik von Johan Joachim Agrell präsentiert das neueste Album Ouvertüren und Arien des eine Generation jüngeren Joseph Martin Kraus. Mit von der Partie ist die exzellente finnische Sopranistin Monica Groop. Auch wenn es derzeit noch keine besonders große Kunst ist, Einspielungen von Kraus’ Werken mit dem Label “Ersteinspielung” auszustatten, so offenbart jede weitere Veröffentlichung aufs Neue, wie viel außerordentlich Entdeckenswertes dieser Komponist in seinem kurzen Leben geschaffen hat.
Was es hier an Ausschnitten aus Kantaten und Opern zu hören gibt, kann es mühelos mit dem Besten wesentlich prominenterer Kraus-Zeitgenossen aufnehmen. Zum tiefen Eindruck, den die Musik macht, trägt wesentlich auch die Interpretation des Helsinki Baroque Orchestra als auch mit den solistischen Leistungen Einzelner überzeugt. Man höre nur die geistliche Arie “Parvum quando cerno Deum” auf einen Text aus dem 12. Jahrhundert, wo das Orchester auf eine Kammermusikformation reduziert auftritt, um diesen Eindruck bestätigt zu finden. Der glasklare, vibratoarme Sopran Monica Groop ist eingebettet in ein instrumentales Gefüge gleichberechtigter Partner. In den größeren Ensemblewerken, vor allem den Ouvertüren, motiviert Häkkinen seine Musiker zu dem dynamischen, präzisen und vitalen Orchesterspiel, für das man die Finnen auch hierzulande kennt und schätzt.
Arnd Richter, Fono Forum, 12/2014
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J.S. Bach, C.P.E. Bach
Pierre Hantaï & Aapo Häkkinen, harpsichord
Helsinki Baroque Orchestra
St John’s Smith Square, London, 21.5.2014

The programme’s title, “Key relationships”, was one of those general catchphrases that might have referred equally to their father-son relationship or to the narrow range of keys explored here. In terms of tonality and texture, indeed, this programme didn’t score highly on contrast, but it was satisfyingly consistent.
This performance’s intimacy, doubtless very authentic, allowed for gains elsewhere. It was a pleasure to hear the harpsichords burbling away in the virtuosic hands of Pierre Hantaï & Aapo Häkkinen.
C.P.E. Bach’s Harpsichord Concerto in G minor, the longest piece of the evening and a work pointing towards the Mozartian concerto model, supplied more complete contrast. Full of variety, thanks to its composer’s eccentric flair, it received a performance (with Hantaï as soloist) that had all the intensity of chamber music.
John Allison, The Telegraph, 22.5.2014
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Bach: Harpsichord concertos, vol. 2
Aapo Häkkinen, harpsichord
Helsinki Baroque Orchestra
AEOLUS, 2013

Häkkinen, sur un instrument de Rutkowski d’après Hass, domine le dialogue sans effort. L’approche expressive est originale et toujours subtile. La partie de violon du quatrième Brandebourgeois adaptée par Bach pour le clavecin sonne de manière lumineuse, la varieté des respirations témoigne d’un discours réellement imaginatif. Le claveciniste finlandais fait très bien sentir les niveaux d’écriture, et orne avec talent les endroits propices à l’improvisation. La densité sonore apportée par le seize pieds confère une splendide autorité aux mouvements extrêmes du Ré majeur : l’œuvre n’a jamais paru aussi éloignée de sa version originale pour violon, et pourtant cette couleur sombre et dramatique lui réussit.
On remarquera une belle inventivité des cordes, un sens aigu du cantabile, d’excellentes idées d’articulation et de caractère dans les mouvements lents.
Philippe Ramin, Diapason, 1/2014

Towards the end of his life, Johann Sebastian Bach made a second collection of concertos, these for keyboard. Around 1738 he put this together, possibly as a way of publicizing his work with the Leipzig Collegium, or possibly with an eye towards publishing them. The six works are all somewhat eclectic since they seem to have been transcriptions of works for other instruments, as the informative booklet notes by soloist Aapo Häkkinen state. There are other sources in the Bach archives, so how he put them together can more or less be traced, and in recording these, Häkkinen and his Helsinki Baroque Orchestra have decided that they would be split into two volumes.
As for the performances, Häkkinen has done an outstanding job. The precision of the Helsinki Baroque Orchestra is evident right off the bat. The sound is excellent, the solo playing virtually flawless, enough so that I will be anxious to acquire the first volume to complete the set. This is an inspired interpretation and one that demonstrates the unique art of composition employed by Bach. (…) The Helsinki Baroque performs the often strict lines of these concertos with a nice sense of phrasing that, under less expert hands, would become somewhat mechanical. Here, all of the notes are in place, all of Bach’s tortuous sequences are audible, and all of his often intricate counterpoint is clear and unambiguous. Although only one on a part, the ensemble often sounds fuller, complementing the dexterous and detailed performance of the harpsichord by Häkkinen. In short, this is an excellent performance that brings new life to the oft-recorded concertos, now that the series is complete.
My only quibble is the length and depth of the booklet notes, which seem to go out of their way to belabor the nit-picky details of the scholarship used to create the recording. Not that as a musicologist I don’t revel in such things personally, but the average listener really does not need an excursus on the surviving harpsichords of Bach’s circle or the pitch standards of the time to appreciate the sheer artistry of the performance. Moreover, there are some controversial ideas (…) which are tangential to the performances themselves. Still, this is now the standard for performances of these six concertos, and as such would well serve to replace any others you might have in your collection.
Bertil van Boer, Fanfare, 1/2014

Die erste Folge der Einspielung von Johann Sebastian Bachs Cembalokonzerten mit Aapo Häkkinen und dem Helsinki Baroque Orchestra hat einen überaus positiven Eindruck hinterlassen. Vol. 2 bestätigt dies nun, mehr noch: Die Folgeeinspielung ist musikalisch und in Bezug auf den Ensembleklang noch ausgereifter und lässt den zweiten Streich somit zu einem Hochgenuss werden.
Wie auch Vol. 1 stellt Aapo Häkkinen neben die Konzerte für Cembalo und Orchester solistische Werke, in diesem Fall Johann Sebastian Bachs Fantasia c-Moll BWV 906, deren brodelnde Klangwucht durch die Besonderheiten des Cembalos wunderbar unterstützt wird, was zu einem gewaltigen Klangeindruck führt, sowie Wilhelm Friedemann Bachs Concerto in G-Dur (Fk 40) für Cembalo solo, in dem Aapo Häkkinen virtuos glänzt und die rauschende bis prasselnde, bis in tiefste Tiefen führende Klangentfaltung expressiv gestaltet.
Von den Bachschen Cembalokonzerten sind komplementär zur ersten Folge hier die Konzerte D-Dur BWV 1054, A-Dur BWV 1055 und F-Dur BWV 1057 (mit zwei zu den Streichen hinzutretenden Blockflöten) vertreten. Auch hier ist der Solist klanglich ins Ensemble relativ stark eingebunden, weil die solistische Gestaltung der Streicher Freiräume für Einzelstimmen schafft, die dann mit solistisch konturenscharfer Phrasierung modelliert werden und somit an Feinzeichnung und Selbständigkeit der Führung dem Solisten kaum nachstehen. Das führt zu einem im Gegensatz zu vielen anderen Aufnahmen mit größerer Instrumentalbesetzung zu dem Eindruck einer viel kammermusikalischeren, flexibleren Formung. Stets begegnet das Ensemble der Musik mit lebhafter affektiver Zeichnung, dabei ohne verhetzte Rasanz frische Tempi mit zielführender Phrasierung verbindend.
Florian Schreiner, klassik.com, 11.1.2014

More Nordic Baroque! (…) persuasively realized on period instruments. It shouldn’t come as a surprise. Finland’s pedagogical philosophy, the envy of the Western world, recognizes the importance of music in a comprehensive education, which probably explains why young Finnish conductors, singers, and composers keep turning up all over the place. But I don’t recall a lot of period instrument players or ensembles from the land of lakes and trees. If these discs are representative, that should change. Aapo Häkkinen, the soloist and artistic director, isn’t a novice. He’s in his late 30s and has been playing the harpsichord for a quarter of a century, and he does so exceedingly well. He’s concertized around the world and amassed a substantial discography, both playing and conducting. He became artistic director of the Helsinki Baroque Orchestra in 2003, four years after its founding. The orchestra’s roster for this recording is all Finnish, except for Julien Martin, who plays recorder alongside Hanna Haapamäki in the F-Major Concerto, which is an arrangement, by Bach, of the Fourth Brandenburg Concerto. Häkkinen, who studied formally with Bob van Asperen and informally with Gustav Leonhardt, knows the idiom thoroughly. He’s concluded that the concertos were played one-to-a-part, and so the orchestra, for this recording, is chamber-sized and first-rate. Häkkinen, too, is superb. Robust in the D-Minor Concerto, delicate in the E-Major, he finds the right touch for each of the concertos.
George Chien, Fanfare, 1/2015

Aapo Häkkinen and the Helsinki Baroque Orchestra have produced two outstanding discs of six of the Bach harpsichord concertos BWV1052–7 on Concerti à Cembalo Concertato: Harpsichord concertos vol.1 (Aeolus AE-10057, rec 2012, 65′) and Concerti à Cembalo Concertato: Harpsichord concertos vol.2 (Aeolus AE-10067, rec 2013, 62′). A big draw is Häkkinen’s harpsichord: a very large one with two soundboards, built in 1970 by Rutkowski and Robinette for Igor Kipnis, who named it ‘Big Red’. It sounds magnificent here, with its strong bass giving a driving impulse to the whole ensemble. One uncommon thing about Häkkinen’s delivery is his tendency to play many single-note melodic ornaments in the right hand before the beat, rather than starting on the beat; he makes it sound convincing, and arguably more French.
A rarity here is that the F minor concerto, BWV1056, is transposed to G minor. Häkkinen explains in his thorough documentation that the G minor version is Bach’s later one, but that the Neue Bach-Ausgabe has given it a questionable transposition back into F minor. It sounds less lugubrious than usual here, and easier on the string players. After three concertos on each disc, Häkkinen fills the remaining space with harpsichord solos. Volume 1 includes the Italian Concerto, BWV971, and Volume 2 has the C minor Fantasia, BWV906, plus a G major solo harpsichord concerto by Wilhelm Friedemann Bach. These serve as further vehicles for Big Red’s thunderous 16′ stop. The performances are all suitably dramatic and flexible. May we hope for a third volume from this terrific team?
Bradley Lehman, Early Music, 2/2015

 

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